Είναι γυναίκες, είναι μαύρες και δεν κάνουν τέχνη γι' αυτό

Μια νέα έκθεση στο Εθνικό Μουσείο Γυναικών στις Τέχνες έρχεται αντιμέτωπη με δύο ψευδείς υποθέσεις που ενσωματώνονται στον κόσμο της τέχνης. Πρώτον, ότι οι γυναίκες πρέπει να κάνουν γυναικεία τέχνη και δεύτερον, ότι οι αφροαμερικανοί καλλιτέχνες πρέπει να κάνουν παραστατική και ακτιβιστική τέχνη, έργα που αντιμετωπίζουν ζητήματα φυλής, ανισότητας, αδικίας και της μακράς ιστορίας της βίας κατά των μαύρων.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today εστιάζει σε μαύρες γυναίκες καλλιτέχνες που εργάζονται πέρα ​​ή έξω από αυτές τις επιταγές. Το έργο περιλαμβάνει φλογερές αφαιρέσεις φτιαγμένες με θρυμματισμένους ωκεανούς μπογιάς και λεπτές εκτυπώσεις με ροζ αποχρώσεις και εκλεπτυσμένες τεχνοτροπίες. Μερικοί πίνακες ξεσπούν από τους τοίχους και κυριαρχούν στον χώρο. άλλοι σιωπούν οικεία και φέρνουν τον θεατή όλο και πιο κοντά στην αινιγματική τους επιφυλακτικότητα. Όλα όμως αψηφούν τις αισθητικές προσδοκίες που έχουν τις ρίζες τους στις αυθαίρετες κατηγορίες της φυλής και του φύλου.

Όπως εξηγεί ένα εισαγωγικό δοκίμιο στον κατάλογο της παράστασης, αυτοί οι καλλιτέχνες εργάζονται σε μια περιφέρεια μιας περιφέρειας μιας περιφέρειας. Πού είναι αυτές οι πολλαπλές περιφέρειες; Σε καμία συγκεκριμένη σειρά προτεραιότητας, εξετάστε το πρώτο φύλο και την αφαίρεση. Μέχρι τα μέσα του περασμένου αιώνα, το πεδίο κυριαρχούνταν από άνδρες που επαναχρησιμοποίησαν τις ιδέες του 19ου αιώνα για τον ηρωικό καλλιτέχνη και τις δαιμονικές δυνάμεις της συναισθηματικής έκφρασης. Οι γυναίκες που εργάζονταν σε μη αντικειμενικά στυλ παραβλέφθηκαν, περιθωριοποιήθηκαν ή παρερμηνεύτηκαν. Όταν κατάφεραν να πετύχουν με τους δικούς τους όρους, συχνά ήταν επειδή η οπτική γλώσσα που χρησιμοποιούσαν αντικατόπτριζε τις προσδοκίες για το σώμα και την υποβάθμισή τους, μικρές, λεπτές χειρονομίες, σιωπηλά χρώματα ή επαναλαμβανόμενες μορφές που ηρεμούσαν το μάτι. Υπήρχαν εξαιρέσεις, φυσικά, αλλά οι εξαιρέσεις ενίσχυσαν τις παραδοσιακές προσδοκίες με τον συνήθη τρόπο που η εξουσία υπερασπίζεται τον εαυτό της: Μας κατηγορείτε ότι σας αποκλείουμε ή σας περιθωριοποιούμε; Λοιπόν, αυτό το μοναχικό παράδειγμα για το αντίθετο υπονομεύει την κατηγορία σας.

Στη συνέχεια, σκεφτείτε τη φυλή. Το χρονικό πλαίσιο που περιλαμβάνει αυτή η έκθεση παρακολουθεί την ιστορία της τέχνης από το έντονο σημάδι του κινήματος για τα πολιτικά δικαιώματα στη δεκαετία του 1960 έως το κίνημα Black Lives Matter της εποχής μας. Πολλές από τις γυναίκες που συμπεριλήφθηκαν εδώ αντιστάθηκαν στο τράβηγμα της δημιουργίας τέχνης που ήταν ρητά πολιτική ή άμεσα σχετικά με τη μαύρη εμπειρία. Η αφηρημένη τέχνη θεωρήθηκε συχνά με φυλετικούς όρους, ως μια ελίτ μορφή που ασκούνταν από λευκούς καλλιτέχνες. Οι μαύροι καλλιτέχνες αναμενόταν να διαλογιστούν πάνω στις μαύρες ιδέες, χρησιμοποιώντας μια οπτική γλώσσα που προέρχεται από ιδέες για τις αφρικανικές ρίζες της αφροαμερικανικής εμπειρίας ή της εμπειρίας της διασποράς.

[Η Εθνική Πινακοθήκη εξετάζει 10 Vermeers στο πλαίσιο των συνομηλίκων του καλλιτέχνη]

Η Mildred Thompson, ένας από τους καλύτερους καλλιτέχνες σε αυτήν την έκθεση, δεν θα είχε τίποτα από αυτά. Το να αντιγράφεις σύμβολα που δεν καταλαβαίνει κανείς, να χρησιμοποιεί σκόπιμα μια μορφή που δεν ξέρει να αναλύει ή να εκτιμά ήταν για μένα το απόγειο της πορνείας, είπε. Και δεν ήταν διατεθειμένη να παραχωρήσει την αφαίρεση σε ελίτ καλλιτέχνες: Ίσως επειδή είχα ζήσει και σπουδάσει με το «λευκό» έμαθα να εκτιμώ τη μαυρίλα μου.

Είναι μια ισχυρή δήλωση ανεξαρτησίας και αμφισβητείται με συνέπεια από τις ριζωμένες συνήθειες των κριτικών, των επιμελητών, των μελετητών, των συλλεκτών και του κοινού.

Έτσι, η τέχνη που περιλαμβάνεται αισθάνεται διεκδικητική, επιδεικτική, ειλικρινής και μη απολογητική. Αλλά πέρα ​​από αυτή την κοινή ευαισθησία, υπάρχουν δεσμοί μεταξύ αυτών των έργων; Υπάρχουν συγγένειες στυλ ή λεπτομέρειας που συνδέουν κάποιο μεμονωμένο έργο με τα 40 άλλα που προβάλλονται; Υπάρχει κάποιο takeaway που ξεπερνά τον μεμονωμένο καλλιτέχνη;

Αυτό είναι επικίνδυνο έδαφος. Μόλις αρχίσετε να αναζητάτε αυτούς τους συνδέσμους, κινδυνεύετε να περιορίσετε αυτό ακριβώς που οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να διατηρήσουν: Την ατομικότητα και το sui generis εκφραστικό περιεχόμενο κάθε έργου.

πώς λειτουργεί το ασιατικό μειονέκτημα

Κι όμως, φαίνεται να υπάρχουν ίχνη κοινότητας ή συγγένειας, ειδικά στο πώς πολλά έργα εκφράζουν μια αίσθηση διάσπασης ή διχασμού. Ίσως αυτό αποτυπώνει τον τρόπο με τον οποίο η εξουσία λειτουργεί πάνω μας, τον τρόπο που δημιουργεί διχασμό όχι μόνο μεταξύ κοινωνικών ομάδων αλλά και στην αίσθηση του εαυτού μας. Η εξουσία μας λέει τι πρέπει να είμαστε, ανεξάρτητα από το ποιοι πραγματικά είμαστε. Μας χωρίζει από την έμφυτη αξιοπρέπειά μας και σφραγίζει το δικό του τίμημα στις ιδέες μας, στα δώρα μας, στις συνεισφορές μας.

Σε μια μεγάλη και δυναμική σύνθεση του Shinique Smith, Whirlwind Dancer, το ντεκολτέ είναι φυσικό. Ο πίνακας φαίνεται αρχικά να αντιπροσωπεύει ένα ενιαίο, ενοποιημένο αντικείμενο, κάποιο είδος δίνης ή ανεμοστρόβιλου που έχει ρουφήξει το υλικό και τα υπολείμματα ενός μισού αιώνα ζωγραφικής σε μια κυκλική, φουσκωτή έκφραση καθαρής ενέργειας. Αλλά αυτό είναι στην πραγματικότητα δύο καμβάδες ενωμένοι και καθώς μελετάτε αυτή τη ραφή συνειδητοποιείτε ότι γραμμές ή σχήματα διασχίζουν τη διαίρεση μόνο σε λίγα σημεία. Αυτή η μεταφορά μιας ενέργειας που είναι ολόκληρη παρόλο που απλώνεται σε ένα κενό ή σχισμή είναι η ουσία της δύναμης του έργου.

Ένα γλυπτό της Barbara Chase-Riboud, του οποίου οι χάλκινες και υφασμάτινες στήλες παρουσιάζονται στην γκαλερί Michael Rosenfeld στη Νέα Υόρκη αυτό το φθινόπωρο, χωρίζεται οριζόντια, με μια υφασμάτινη φούστα να φαίνεται να αντέχει το τεράστιο βάρος ενός μπρούτζινου κορμού. Το άγαλμα δημιουργεί έναν διάλογο που πολλοί άνθρωποι νιώθουν εσωτερικά, μεταξύ ενός αρχέγονου φόβου ότι όλα θα μπορούσαν να καταρρεύσουν, και μιας συναρπαστικής αίσθησης ότι, κατά κάποιο τρόπο, καταφέρνουμε να το κρατήσουμε αιωρούμενο στον αιθέρα του τίποτα.

[ Η National Portrait Gallery επιλέγει καλλιτέχνες για να ζωγραφίσουν τα πορτρέτα του Ομπάμα ]

Η Jennie C. Jones αντιπροσωπεύεται από έργα που χρησιμοποιούν ακουστικά πάνελ για να δημιουργήσουν κλασικές, μινιμαλιστικές αφαιρέσεις. Αλλά τα ακουστικά πάνελ φέρνουν μαζί τους ενδείξεις σιωπής και μια διχογνωμία που δεν μοιάζει με αυτή που προτείνει το έργο του Chase-Riboud: Πρόκειται για τη σιωπή, που είναι ο καμβάς στον οποίο γράφεται η μουσική και μια απελευθερωτική πνευματική δύναμη, ή η πράξη του η φίμωση, ποια είναι η πρώτη και θεμελιώδης στρατηγική της εξουσίας;

Αυτές οι διχογνωμίες απλώνονται σε όλη την έκθεση. Σε ένα ιδιαίτερα συναρπαστικό έργο, έναν άτιτλο πίνακα του 1972-73 της Howardena Pindell, ο καμβάς καλύπτεται με μικρές κουκκίδες ίδιου μεγέθους με τα μικρά στρογγυλά κομμάτια χαρτιού που απομένουν όταν χρησιμοποιείτε μια πρέσα διάτρησης χαρτιού. Σε ένα άλλο έργο χρησιμοποιεί τα πραγματικά κυκλικά κομμάτια χαρτιού ανακατεμένα σε μπογιά για να δημιουργήσει ένα παράξενο σχήμα αυτοβιογραφικό έργο που αναφέρεται στον χρόνο που πέρασε στην Ιαπωνία. Αλλά στον ακρυλικό πίνακα χωρίς τίτλο, έχει ζωγραφίσει σχολαστικά το δισδιάστατο ίχνος τους, σε έναν καμβά που περιλαμβάνει ένα ψευδαίσθητο μοτίβο πτυχώσεων, σαν να είχε γεμίσει όλο το πράγμα σε ένα ντουλάπι ή να το είχε αφήσει ξαπλωμένο στο πάτωμα, χωρίς περιποίηση, μέχρι ατέλειες πήρε μορφή. Είναι ένα σύνθετο έργο που ξεκινά το μυαλό σε μια αλυσίδα ερωτήσεων — ποιος έφτιαξε αυτές τις τελείες, ποιος τρύπησε το χαρτί και για ποιο σκοπό, και τι γράφτηκε στις σελίδες του χαρτιού που τρυπήθηκε; — που τελικά δείχνουν την ιδέα του κειμένου ή του εγγράφου που μας αποκρύπτουν.

Αυτό είναι το ερώτημα με το οποίο πρέπει να αντιμετωπιστεί αυστηρά η εξουσία: Τι μας αποκρύπτουν; Αυτή η έκθεση είναι μια, πρακτική, ρεαλιστική απάντηση στο ερώτημα. Μα φυσικά το ερώτημα εγείρει ένα άλλο: Τι κρύβουμε στον εαυτό μας;

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today είναι διαθέσιμο στο Εθνικό Μουσείο Γυναικών στις Τέχνες έως τις 21 Ιανουαρίου. Για περισσότερες πληροφορίες επισκεφθείτε τη διεύθυνση www.nmwa.org.