Το σύνολο των έργων του καλλιτέχνη Hyman Bloom είναι σεβαστό. Και τα πτώματα είναι πτώματα.

«Γυναικείο πόδι» του Hyman Bloom, 1951. λάδι σε καμβά. (Museum of Fine Arts, Boston/Timothy Phillips/From the Stella Bloom Trust)

Οι πίνακες με σάπια πτώματα και ανοιχτά πτώματα που έγιναν από τον Hyman Bloom μεταξύ 1943 και 1954 αποτελούν ένα από τα πιο ασυνήθιστα και ανησυχητικά όμορφα έργα στην αμερικανική τέχνη.

Οι πίνακες του Μπλουμ είναι τρομακτικοί και εκπληκτικοί. Αναφλέγονται από καυτά, ρέοντα χρώματα που καλύπτουν τις επιφάνειές τους σαν φλόγες, καταναλώνοντας και μεταμορφώνοντας τα φτωχά σώματα που απεικονίζουν σε κάτι ιριδίζον και αιθέριο. Οι πίνακες, μαζί με μια επιλογή από εκθαμβωτικά σχέδια μεγάλης κλίμακας, αποτελούν το θέμα μιας υπέροχης, πολυαναμενόμενης παράστασης, Hyman Bloom: Matters of Life and Death στο Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης. Συμπίπτει με ένα υπέροχο νέο μονογραφία στο Bloom και μια διαφήμιση παράσταση στη Νέα Υόρκη , η έκθεση μοιάζει με ένα σημαντικό γεγονός.

Ο Μπλουμ (1913-2009) είναι μια σε μεγάλο βαθμό ξεχασμένη φιγούρα. Αλλά η λαμπρότητά του αναγνωρίστηκε ευρέως στα μέσα του αιώνα. Τζάκσον Πόλοκ, Βίλεμ ντε Κούνινγκ και ο Φραντς Κλάιν όλοι τον σεβάστηκαν. Ελέιν ντε Κούνινγκ έγραψε περίφημα για την πρώιμη δουλειά του. Ο μεγάλος λόγιος της Αναγέννησης Sydney Freedberg τον αποκάλεσε βιρτουόζο με μπογιά. Και σε μια επιστολή προς τη συνάδελφό του ποιήτρια Ελίζαμπεθ Μπίσοπ, ο Ρόμπερτ Λόουελ έγραψε: Ο Χάιμαν είναι απίστευτα συνεπής, λαμπρός, ασκητής — όλο και περισσότεροι λένε ότι είναι ο καλύτερος ζωγράφος στην Αμερική, και έτσι είναι.

Αυτή η έκθεση DC πρέπει να δει όλοι όσοι ενδιαφέρονται για τη μεταναστευτική κρίση

Γεννημένος σε ένα φτωχό χωριό Ορθοδόξων Εβραίων στη Λετονία, ο Μπλουμ πέρασε τα πρώτα του χρόνια ζώντας σε μια ξύλινη καλύβα ενός δωματίου με χώμα. Ήταν 7 ετών όταν η οικογένειά του έφτασε στο Έλις Άιλαντ το 1920. Εγκαταστάθηκαν με τα δύο μεγαλύτερα αδέρφια του Χάιμαν, που είχαν μεταναστεύσει πριν από τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, σε μια κατοικία στο Γουέστ Εντ της Βοστώνης, οκτώ άτομα συνωστίζονταν σε τρία δωμάτια.

Στο σχολείο, το ταλέντο του Μπλουμ έγινε αντιληπτό από τον δάσκαλό του στην όγδοη τάξη, ο οποίος τον ενθάρρυνε να εγγραφεί σε μαθήματα σχεδίου σε ένα κοινοτικό κέντρο. Ο καλλιτέχνης Jack Levine, ο οποίος έγινε στενός φίλος του Bloom, ήταν συμφοιτητής.

Ο δάσκαλός τους, Χάρολντ Ζίμερμαν, καλλιέργησε τα ταλέντα τους με μια πειραματική προσέγγιση. Τους έκανε να προχωρήσουν πολύ αργά, επεξεργάζοντας τα σχέδιά τους από μνήμη και όχι από άμεση παρατήρηση, με μικρά σημάδια και προσαρμογές, παραμένοντας πάντα έντονα ευαίσθητοι στη σύνθεση ως σύνολο.

Ως έφηβος, ο Μπλουμ ζωγράφιζε πυγμάχους και παλαιστές (τα δύο μεγαλύτερα αδέρφια του ήταν body builders) και - σε ένα εκπληκτικό σχέδιο που περιλαμβάνεται στην παράσταση - έναν τιτανικά μυώδη άνδρα που λύθηκε από χοντρά σχοινιά σε έναν τροχό βασανιστηρίων. Παρά τις τολμηρές ζωγραφικές ελευθερίες του καλύτερου έργου του, το σχέδιο - και η ανθρώπινη φιγούρα - παρέμειναν θεμελιώδεις μέχρι το τέλος.

Μέσω του Zimmerman, ο Bloom γνώρισε τον Denman Waldo Ross, καθηγητή στο Πανεπιστήμιο του Χάρβαρντ. Ο Ρος επιδότησε τη συνεχιζόμενη καλλιτεχνική εκπαίδευση των αγοριών. Τους έδωσε οδηγίες να ζωγραφίζουν μια νύχτα την εβδομάδα, ενώ ο Zimmerman συνέχιζε τα μαθήματα σχεδίου. Ο Zimmerman πήγε επίσης τον Bloom και τον Levine στη Νέα Υόρκη, όπου ο Bloom εκτέθηκε στον Chaim Soutine και τον Georges Rouault, πρωταγωνιστές του μεταγενέστερου έργου του.

Στα τέλη των 20 του, η καριέρα του Μπλουμ απογειώθηκε. Ζωγράφιζε συναγωγές, χριστουγεννιάτικα δέντρα και νύφες σε ένα ιδίωμα που βασιζόταν στους Soutine, Rouault, Marc Chagall και Jean Dubuffet, αλλά και πάλι φαινόταν εντελώς πρωτότυπο. Άρχισε να κερδίζει την υποστήριξη ανθρώπων όπως η Dorothy Miller και ο Alfred Barr, επιμελητές στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, και σύντομα ενέπνευσε συναδέλφους του, συμπεριλαμβανομένων των de Koonings και Pollock.

Το 1941, ο Μπλουμ είχε μια εμπειρία που άλλαξε βαθιά τόσο την εσωτερική του ζωή όσο και την τροχιά της τέχνης του. Η στενή του φίλη Betty Tovey αυτοκτόνησε και η οικογένειά της του ζήτησε να αναγνωρίσει το σώμα της στο νεκροτομείο.

Ο Μπλουμ γνώριζε τον Τόβεϊ για περισσότερο από μια δεκαετία. Είχαν μοιραστεί ένα σπίτι και ένα στούντιο στη Βοστώνη. Ήταν πολυταξιδεμένη, κοσμοπολίτισσα, καταξιωμένη βιολονίστρια και 10 χρόνια μεγαλύτερή του. Οι δυο τους δεν φαίνεται να ήταν εραστές, αλλά ο Tovey ήταν ο έμπιστος του Bloom κατά τη διάρκεια μιας περιόδου που τον είδε να παλεύει με το άγχος και την πνευματική σύγχυση. Καθώς απομακρύνθηκε από την άσκηση του Ιουδαϊσμού, εκείνη μοιράστηκε το ενδιαφέρον της για τη μεταφυσική λογοτεχνία. Ο Μπλουμ άρχισε να εξερευνά τη θεοσοφία, τη Βεδάντα (έναν από τους κύριους κλάδους της ινδουιστικής φιλοσοφίας) και άλλες μορφές πνευματισμού. Έμεινε αναζητητής σε όλη του τη ζωή.

Η εμπειρία του βλέποντας το σώμα του Tovey στο νεκροτομείο τον οδήγησε να δει τον θάνατο από μια νέα και πιο όμορφη οπτική γωνία. Είχα την πεποίθηση της αθανασίας, έγραφε, ότι είμαι μέρος ενός μόνιμου και διαρκώς μεταβαλλόμενου, της μεταμόρφωσης ως φύσης του όντος.

Ένας παρατηρητής της τέχνης του Μπλουμ τις επόμενες δύο δεκαετίες θα μπορούσε να υποθέσει ότι είχε εμμονή με τη νοσηρότητα και τον θάνατο. Και κατά κάποιο τρόπο ήταν. Αλλά αυτό που πραγματικά τον απασχόλησε ήταν η βαθιά διαπλοκή, το απόλυτο αδιαίρετο ζωής και θανάτου.

Η άποψη του Μπλουμ για το σώμα σχεδόν όπως να παγιδεύει , μια μεταμφίεση που πρέπει να ερημωθεί και να σχιστεί, όσο καλύτερα να τη δει κανείς, είχε πολλά προηγούμενα στην ευρωπαϊκή τέχνη. Καλλιτέχνες της Βόρειας Αναγέννησης, για παράδειγμα (κυρίως ο Matthias Grünewald), είχαν ζωγραφίσει το απελπιστικά ερειπωμένο σώμα του Χριστού με συγκεκριμένο στόχο να υπερβούν τη σωματικότητα. Η ηλεκτρισμένη δουλειά του Μπλουμ μπορεί να θεωρηθεί ως μέρος αυτής της παράδοσης.

Δύο χρόνια αφότου αναγνώρισε το σώμα του Tovey στο νεκροτομείο, ο Bloom συνάντησε έναν φίλο του, τον καλλιτέχνη David Aronson, ο οποίος πήγαινε στο νοσοκομείο Kenmore της Βοστώνης για να δει πτώματα. Κάλεσε τον Μπλουμ μαζί.

Οι περισσότερες αφηγήσεις της δυτικής τέχνης από την Αναγέννηση περιλαμβάνουν τις ιστορίες εκείνων των καλλιτεχνών που σπάζουν ταμπού, οι οποίοι, περίεργοι για την εσωτερική δομή του ανθρώπινου σώματος, έστρεψαν την προσοχή τους στα πτώματα, προκαλώντας συχνά διαμάχες. Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι και ο Μιχαήλ Άγγελος τα μελέτησαν και τα τεμάχισαν. Ο Ρέμπραντ και οι Ολλανδοί συμπατριώτες του προώθησαν την παράδοση τον 17ο αιώνα.

Έτσι, η εικόνα δύο φιλόδοξων νεαρών Εβραίων ζωγράφων στη Βοστώνη που περπατούν μαζί σε ένα νοσοκομείο για να δουν πτώματα δεν είναι από μόνη της αξιοσημείωτη. Και όμως ακριβώς επειδή το έτος ήταν το 1943, και μεγάλος αριθμός Εβραίων συναδέλφων αυτών των δύο καλλιτεχνών παρασύρονταν σε όλη την Ευρώπη και στέλνονταν σε στρατόπεδα συγκέντρωσης όπου δολοφονούνταν συστηματικά, είναι δύσκολο να μην τους στοιχειώσει.

Ο Μπλουμ δεν σκόπευε τους επόμενους πίνακές του - αυτούς που κυριαρχούν σε αυτήν την παράσταση - ως σχόλιο για το Ολοκαύτωμα. Ωστόσο, οι αποκαλύψεις για την καταστροφή στην Ευρώπη σίγουρα πρέπει να έχουν τροφοδοτήσει τη δική του φαντασία. Και αναπόφευκτα, η γνώση μας για αυτά τα γεγονότα αποτελεί μέρος του πρίσματος μέσα από το οποίο εμείς Δες τους.

Η δεκαετία μετά τον πόλεμο είδε τον Μπλουμ να παράγει το πιο δυνατό έργο του - όχι μόνο εικόνες πτωμάτων και αυτοψιών, αλλά και συναρπαστικές, σχεδόν αφηρημένες εικόνες από ορδές θησαυρών που έχουν ανασκαφεί. Αυτά τα αστραφτερά έργα, κατασκευασμένα με υπέροχα περάσματα από ανάγλυφη μπογιά, απεικονίζουν τα θέματά τους σαν να είναι τοποθετημένα οριζόντια (σαν ένα σώμα σε μια πλάκα) και να φαίνονται από ψηλά.

λίστα δίκαιων τροφίμων της πολιτείας της Νέας Υόρκης

Ο Μπλουμ εμπνεύστηκε εν μέρει από εικόνες πρόσφατων αρχαιολογικών ανακαλύψεων. Έδωσε στους πίνακες τίτλους όπως Αρχαιολογικός Θησαυρός και Χάρτης Θησαυρού, προσκαλώντας μας να δούμε αναλογίες μεταξύ των ανασκαμμένων θησαυρών (και του ιριδίζοντος γυαλιού που αγαπούσε ιδιαίτερα) και της αστραφτερής φωτεινότητας του εσωτερικού του σώματος.

Δέκα χρόνια αφότου ο Μπλουμ εκπροσώπησε τις Ηνωμένες Πολιτείες στη Μπιενάλε της Βενετίας (μαζί με τους Πόλοκ και ντε Κούνινγκ), συνδυάστηκε με τον Βρετανό καλλιτέχνη Φράνσις Μπέικον σε μια παράσταση στο Πανεπιστήμιο της Καλιφόρνια στο Λος Άντζελες.

Πόσο θα ήθελα να το δω να αναπαραχθεί. Και οι δύο καλλιτέχνες ήταν απασχολημένοι με την απαίσια πλευρά του ανθρώπινου σώματος - το σώμα ως κρέας. Αλλά ο Μπέικον, ένας σχολαστικός υπαρξιστής, δεν είχε πνευματικό κόκαλο στο σώμα του. Η ζωή, για εκείνον, ήταν μια μορφή θεάτρου, ένα παιχνίδι καταδικασμένο στη ματαιότητα. Ο Μπλουμ, αντίθετα, πίστευε ότι υπήρχε κάτι περισσότερο. Ήταν ένας οραματιστής καλλιτέχνης, ερωτευμένος με στελέχη σκέψης που γινόταν όλο και λιγότερο της μόδας να αγαπάς. Δεν τον ένοιαζε η επιτυχία στον κόσμο της τέχνης.

Όταν οι επιμελητές του μουσείου επισκέφτηκαν το στούντιό του, έστρεψε τους καμβάδες του στον τοίχο. Αναρωτιόμουν από καιρό: Προσπαθούσε ο Μπλουμ να κρύψει τα έργα του από μάτια που θεωρούσε ανίκανα να κατανοήσουν; Ή μήπως αναγνώρισε ότι τα πρόσφατα πράγματα του δεν ήταν αρκετά σύμφωνα με την προηγούμενη δουλειά του;

Ίσως ήταν απλώς σεμνός. Στο τέλος, όπως τόσοι πολλοί γνήσιοι αναζητητές, ο Μπλουμ ακολουθούσε τον δικό του δρόμο. Είδε αυτό που είδε. Έγινε όλο και λιγότερο σημαντικό για αυτόν να το βλέπουμε και εμείς οι υπόλοιποι. Παρήγαγε καλά πράγματα τις επόμενες δεκαετίες. Όμως τα έργα που ζωγράφισε τη δεκαετία μετά τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο παραμένουν ένα μεγάλο και ανεξίτηλο επίτευγμα.

Hyman Bloom: Matters of Life and Death Μέχρι τις 23 Φεβρουαρίου στο Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης. mfa.org .

Η πιο συγκλονιστική φωτογραφία από την αποστολή Apollo δεν ήταν του φεγγαριού. Ήταν της Γης.

Hilma af Klint, η γυναίκα που ζωγράφισε το μέλλον

Είναι τα ντοκιμαντέρ για τη φύση η μεγαλύτερη τέχνη της εποχής μας;